70 VERTBOIS CABINET D'AMATEURS - Blog

Pierre Chenet: Sculpteur Animalièrs

Fri, 28 May 2021 08:28:00 +0000

Pierre Chenet est un artiste, sculpteur du XXème siècle du Nord de la France. Pierre Chenet a créé sa fonderie au début des années 1900. Il commence l'activité de sculpture depuis le début des années 1970. Il utilise sa technique dite de la"Patiné à l’acide” qui rend chacune de ses sculptures unique de par sa couleur (Bronze).

Ses sculptures en bronze suivent le procédé de la fonte à la cire perdue. Une technique qui consiste à envelopper de cire un moulage en argile et lorsque le bronze est coulé, il remplace la cire qui est évacuée d’où son nom de cire perdue.

Il sculpte essentiellement sur la sculpture animalière tels que des ours, des lièvres, des cochons, des taureaux...Tout comme François Pompon, Chenet lui aussi rend bien le mouvement et la puissance de l’animal.

Le bronze est signé du cachet circulaire de la fonderie qui est une couronne à 3 branches.

Le scupteur, fondeur, Pierre Chenet s'est beaucoup inspiré des oeuvres de François Pompon (ci-dessous)

Quelque autres pièces de Pierre Chenet

Pierre Chenet : Une Cote qui Monte

La galerie 70 Vertbois a vendu quatres pièces de Pierre Chenet dont un taureau, un grand ours et deux petits ours

RAYMONDE PASCAUD: Déconstruction et Géométrisation...

Fri, 28 May 2021 07:32:00 +0000

Raymonde Pascaud est née dans l’entre-deux guerres. Après des études aux Beaux-Arts en 1956 puis à l’atelier 80, Raymonde n’a cessé d’observer, de peindre, de dessiner le monde avec élégance et énergie. Sa passionreste intacte,

Raymonde continue inlassablement de peindre aujourd’hui. Elle puise son inspiration dans le monde qui l’entoure. Quelques fruits, la piste d’un cirque, les bords de Seine, la figure tutélaire du Père, tout passe au crible de son désir insatiable de dessiner, de peindre. Les images se décomposent pour se reconstruire sous une forme abstraite.

Tout au long de son parcours, Raymonde Pascaud a travaillé l’Huile, le Pastel, la Craie avec la même passion. Ses inspirations sont multiples. Malévitch ou Georges Braque ne sont pas éloignés de son travail basé sur la décomposition et la géométrisation de toute forme. Le trait est précis, le nombre d’or reste la clef de voûte de toute son œuvre.

1972- Maison de la culture-Rueil Malmaison
1976 Maison de la culture-Paris XVII 1978 Logis du Bost (Confolens)
1978 Concorde Lafayette-ParisXVII 1982 "Paris"-Galerie Claude Hemery-ParisIV
1988-1993 Salon des artistes Neuilly/Seine(92)
1989 Le canapé-Gif-sur-Yvette 1989 « Paris & Chevaux » -Flamant Rose Paris XIII
1991-1993 Patrimoine artistiques français A.P.P.A.F Washington, Prague.
1993 Société Nationale des Beaux-Arts Grand Palais Paris
1994 Palais des ducs-Mortemart (87)
1997 « L’arbre » Espace Tristan Bernard-Paris VIII
1997 “Les années Lesbounit” Espace Tristan Bernard-Paris VIII
1998 " L’arbre "Roy Adzak Museum-Paris XIV
1999 “Couleurs du temps, temps de la couleur” Espace Tristan Bernard-Paris VIII
2000 “Eléments” Espace Tristan Bernard Paris VIII
2000 "Chevaux au parc de Vittel" Salon des indépendants-Quai Branly Paris VII
2002 Dakar-Biennale des arts africains contemporain
2019 Galerie 70vertbois-Paris III

La galerie 70Vertbois souhaite vous faire partager notre enthousiasme sur les dessins à la Craie, très présents dans son œuvre au cours des années 70-80. Quatre dessins vous sont présentés actuellement dont deux nouveautés. N’hésitez pas à venir admirer cette période picturale qui a su nous séduire.

François Pompon: Sculpteur Animaliers

Thu, 27 May 2021 13:49:00 +0000

François Pompon, sculpteur français, né le 9 mai 1855 à Saulieu (Côte-d'Or) et mort le 6 mai 1933 à Paris (7e arrondissement).

Il est connu du grand public pour ses sculptures animalières dont le style novateur se caractérise par la simplification des formes et des surfaces polies. Il choisit l'animal comme emblème. C'est un choix qui lui permet de se révèler.

Il fut tout d'abord apprenti dans l'atelier de son père, compagnon du devoir menuisier-ébéniste, ensuite apprenti tailleur de pierre chez un marbrier. Il suit les cours du soir de l'école des beaux-arts de Dijon, d'abord en architecture et en gravure avec Célestin Nanteuil, puis de sculpture avec François Dameron.

En 1890, François Pompon entre dans l'atelier d'Auguste Rodin (1840-1917), où il travaille comme praticien au dépôt des marbres, rue de l'Université. Il gagne très vite la confiance du maître puisqu'il dirige l'atelier dès 1893. C'est dans ce même atelier qu'il fera la connaissance d'Ernest Nivet et de Camille Claudel.

Pompon s'intéressait à l'art d'Extrême-Orient et au japonisme en vogue à l'époque. Il admire aussi l'art égyptien exposé au musée du Louvre, comme le Taureau Apis, Horus ou Babouin. Sa première sculpture animalière connue représente un Lucane (1874). Son choix définitif de ne travailler que des animaux fut pris en 1905, alors que l'animal-sujet était dans l'air du temps, très présent dans les expositions universelles de Paris (1867, 1878 et 1889) et les bronzes animaliers orientaux rapportés à Paris par Henri Cernuschi dès 1873.

En 1905, il prend définitivement le parti de simplifier la forme de ses sculptures. Il polit les surfaces et supprime les détails. Mais ce n'est qu'à partir de 1922 qu'il connaît une célébrité tardive en envoyant l’Ours blanc au Salon d'automne de cette année-là, où son œuvre tranche par son modernisme sur l'esthétique de la sculpture réaliste.

On découvre dans l'univers de Pompon un refus de l'expression du creux. Ce qui s'explique par une absence totale d'ombre. La scupture doit être lisse, éclatante, blanche comme le marbre qu'il avit coutume de tailler après s'être exprimé sur le plâtre.

De 1900 à 1918, ses travaux s’opèrent sous le signe des animaux de la ferme. Ce sont les premières expérimentations de Pompon. Ce sont les bréviaires de la recherche du mouvement, qui tendront vers une simplification toujours accrue.

De 1922 à 1929, Pompon s’affirme dans un style qui le caractérise. Une recherche vers l’essentiel dans le mouvement, qui se traduit par une netteté du dessin, la concision de la forme.

Eliminant l'accessoire et le détail, il abandonne tout rendu réaliste pour s'attacher à "l'essence même de l'animal". Cette économie de moyen donne à l'oeuvre une présence qui trouve sa véritable force dans l'échelle monumentale. Loin de l'anecdote, elle révèle la recherche d'une intemporalité, d'une permanence : sous les dehors silencieux des formes pleines, l'univers de la sculpture lisse devient le lieu d'éclosion d'une aspiration à la forme universelle. "Je conserve un grand nombre de détails destinés à disparaître, disait Pompon. Je fais l'animal avec presque tous ses falbalas. Et puis petit à petit, j'élimine...".

Les sculptures de Pompon se caractérisent par une appréhension intuitive, des formes aux contours arrondis, un refus de la géométrie, un goût pour les matériaux traditionnels. "J'aime la sculpture sans trou ni ombre" disait-il, privilégiant les pierres claires, sans obstacle à la coulée du jour sur les volumes.

Il existe un musée à son nom "Musée François Pompon" qui fut inauguré le 23 Juin 1993 à Saulieu dans un hotel particulier du XVII ème siècle, où l'on decouvre ses travaux de jeunesse, comme les terres cuites : Saint Andoche martyr (1874), Curé de Saulieu (1880), ou encore le buste de son père Alban (1885).

Une association montée pour valoriser les travaux de l'artiste "Association François Pompon" organise des expositions sur ses oeuvres.

GRECO Grand Palais, Galerie sud-est - 16 octobre 2019 - 10 février 2020

Sun, 26 Jan 2020 14:47:00 +0000

Né en 1541 en Crète, Domenico Theotokopoulos, dit El Greco, fait son premier apprentissage dans la tradition byzantine avant de parfaire sa formation à Venise puis à Rome.

C’est cependant en Espagne que son art s’épanouit et s’implante durablement à partir de la décennie 1570. Attiré par les mirifiques promesses du chantier de l’Escorial, l’artiste importe dans la péninsule la couleur du Titien, les audaces du Tintoret et la force plastique de Michel-Ange. Cette éloquente synthèse, originale mais cohérente par rapport à sa trajectoire, donne à Greco, mort quatre ans après Caravage, une place particulière dans l’histoire de la peinture : celle du dernier grand maître de la Renaissance et du premier grand peintre du Siècle d’Or.

Ce sont les avant-gardes européennes qui, au tournant des XIXe et XXe siècles, redécouvrent Greco, éblouis par son oeuvre à la fois fougueuse et électrique, inscrivant son nom à côté du leur dans le grand livre naissant de la modernité.

Bacon au Centre Pompidou de Paris, l’exposition somptueuse d’un peintre de génie

Sun, 06 Oct 2019 13:32:00 +0000

Olivier Cena Publié le 11/09/2019. Mis à jour le 11/09/2019 à 17h04.

L’exposition du célèbre peintre anglais à Beaubourg s’intéresse aux dernières années de sa vie, donnant à voir des tableaux jamais exposés auparavant. On en sort éblouis par la magnificence des couleurs de l’un des plus grands artistes du XXe siècle.

À cinq ou six exceptions près (dont le très puissant Triptyque de 1970), l’exposition commence lorsque l’amant de Francis Bacon, George Dyer, se suicide à Paris le 24 octobre 1971, deux jours avant l’inauguration de sa rétrospective au Grand Palais. Elle recouvre donc les vingt dernières années de l’œuvre du peintre anglais, mort à Madrid en 1992 à l’âge de 82 ans.

De fait, après une petite salle servant d’introduction, les trois grands triptyques consacrés à l’amant disparu occupent la première grande salle : celui peint juste après le suicide (À la mémoire de George Dyer, 1971) et les deux hommages postérieurs (août 1972 et mai-juin 1973). Le ton est donné : c’est une splendeur !

Un lien fort entre peinture et littérature

Le titre de l’exposition, « Bacon en toutes lettres », se justifie par le fait que le peintre fut inspiré par ses lectures, surtout par la poésie, et notamment celle de l’Américain T.S. Eliot (1888-1965), ou la tragédie (Eschyle, Shakespeare, etc.), mais aussi par certains textes plus théoriques de Nietzsche, de Georges Bataille, ou de son ami Michel Leiris qui était à la fois écrivain, ethnologue, poète et critique d’art.

La collection Alana Chefs-d'oeuvre de la peinture italienne Du 13 septembre 2019 au 20 janvier 2020

Sun, 22 Sep 2019 15:34:00 +0000

La collection A

À la rentrée 2019, le Musée Jacquemart-André met à l’honneur la Collection Alana, l’une des plus précieuses et secrètes collections privées d’art de la Renaissance italienne au monde, actuellement conservée aux Etats-Unis. En écho à son exceptionnelle collection d’art italien, le Musée Jacquemart André présente plus de 75 chefs-d’œuvre des plus grands maitres italiens comme Lorenzo Monaco, Fra Angelico, Uccello, Lippi, Bellini, Carpaccio, Le Tintoret, Véronèse, Bronzino ou Gentileschi.

Cette exposition offre l’occasion unique d’admirer pour la première fois des tableaux, sculptures et objets d’art qui n’avaient jusque-là jamais été présentés au public.

Dans la lignée des plus grandes collections américaines, la Collection Alana est le fruit d’un intense travail de sélection et d’amour de l’art opéré depuis plusieurs décennies par Alvaro Saieh et Ana Guzmán, un couple dont la réunion des prénoms forme celui de la Collection Alana. Au fil des ans, leur passion s’est muée en une véritable fascination pour l’art gothique et la Renaissance italienne et les a progressivement conduits à s’intéresser aussi à la peinture des XVIe et XVIIe siècles.

Le prêt de ces chefs-d’œuvre a été accordé à titre exceptionnel au Musée Jacquemart-André en raison de l’affection que les deux collectionneurs lui ont toujours portée. Les œuvres présentées démontrent la vitalité du goût pour la Renaissance italienne, considérée comme moment fondateur de la civilisation occidentale. Elles offrent un aperçu exhaustif de l’une des plus grandes collections privées d’art ancien, de la peinture du XIIIe siècle aux œuvres caravagesques.

Commissariat

> Carlo Falciani, historien de l’art, commissaire d’expositions et professeur d’Histoire de l’Art Moderne à l’Académie des Beaux-Arts de Florence.

> Pierre Curie, conservateur du musée Jacquemart-André, spécialiste de peinture italienne et espagnole du XVIIe siècle.

Visuel : Lorenzo Monaco, L’Annonciation (détail), vers 1420-1424, tempera et or sur panneau, 169,6 x 120,7 cm, Collection Alana, Newark, DE, États-Unis, Photo : © Allison Chipak

► DIAPORAMA

Exposition : "Les Chefs d'oeuvre du Guggenheim", à l'Hôtel de Caumont à Aix-en-Provence, du 1er mai au 29 septembre

Sat, 07 Sep 2019 19:51:00 +0000

De Manet à Picasso en passant par Degas, Gauguin, Cézanne, Van Gogh, Braque et Matisse… Pour la première fois, 50 œuvres majeurs issues de la collection Thanhauser quittent New York pour s’installer à Aix-en-Provence.

Après une exposition dédiée à Marc Chagall, l’Hôtel de Caumont-Centre d’art présente dès le 1er mai 2019 les chefs-d’oeuvre de la collection de Justin K.Thannhauser, léguée en 1963 à la Fondation Solomon R. Guggenheim de New York. Pour la première fois, près de cinquante oeuvres majeures de cette prestigieuse collection sont présentées en Europe dans une exposition itinérante
commencée au Guggenheim de Bilbao : peintures et sculptures des maîtres de l’impressionnisme et du postimpressionnisme, ainsi que des grandes figures de l’art moderne, de Manet à Picasso en passant par Degas, Gauguin, Cézanne, Van Gogh, Braque et Matisse.

La famille Thanhauser et les artistes d'avant-garde

Justin K. Thannhauser (1892-1976), figure de premier plan dans la diffusion de l’art moderne européen, est le mécène, ami et promoteur des artistes novateurs qui, entre la fin du XIXe et la première moitié du XXe siècle, bouleversent le panorama artistique occidental. Dès sa jeunesse, il assiste son père, Heinrich Thannhauser, dans la gestion de la célèbre Moderne Galerie, fondée à Munich en 1909.
Père et fils conçoivent un programme d’expositions remarquable où figurent les impressionnistes et les postimpressionnistes français ainsi que les artistes allemands contemporains. La galerie réalise également l’une des premières grandes rétrospectives de Picasso en 1913, qui est à l’origine d’une longue et étroite amitié entre Justin Thannhauser et l’artiste.

Francis Picabia (1879-1953), Portrait de Mistinguett, vers 1908-1911, huile sur toile, 60 x 49,2 cm (Solomon R. Guggenheim Museum, New York, 66.1801 © Adagp, Paris, 2019)

En 1941, Justin Thannhauser s’installe à New York et s’affirme rapidement comme marchand d’art aux États-Unis. Sans successeur, il lègue les oeuvres principales de sa collection à la Fondation Solomon R. Guggenheim de New York. Depuis, elles constituent l’un des noyaux forts de cet important musée, où elles sont montrées dans une galerie qui porte le nom de leur légataire.
Ce legs a enrichi considérablement le corpus d’oeuvres de Cezanne du musée new-yorkais, qui ne possédait auparavant qu’un seul tableau de l’artiste (L’Homme aux bras croisés, vers 1889). L’ensemble des oeuvres de Cezanne ayant appartenu aux Thannhauser est réuni à l’Hôtel de Caumont, dont les Carrières de Bibémus, qui revient pour la première fois à Aix-en- Provence où il a été peint vers 1894- 1895.

Des oeuvres emblématiques

L’exposition regroupe d’autres oeuvres emblématiques : des toiles majeures de Picasso telle que Le Moulin de la Galette (1900), prêt exceptionnel du Guggenheim, ainsi que des chefs-d’oeuvre de Van Gogh et de Manet qui viennent de retrouver tout leur éclat, grâce à une campagne de restauration récente, mise en oeuvre à l’occasion de cette exposition.

Pablo Picasso (1881-1973), Le Moulin de la Galette, Paris, vers novembre 1900, huile sur toile, 89,7 x 116,8 cm (Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Thannhauser Collection, don Justin K. Thannhauser, 78.2514.34 © Succession Picasso 2019)

L’occasion de retracer l’histoire des galeries et de la Collection Thannhauser à travers des photographies, des livres d’inventaire et d’autres documents d’archives issus du fonds de la galerie, qui mettent en lumière les relations de la famille Thannhauser avec les artistes d’avant-garde, les collectionneurs et les
marchands de l’époque.

Albert Renger-Patzch-Les choses

Sat, 06 Jan 2018 16:01:00 +0000

http://www.jeudepaume.org/?page=article&idArt=2757

Albert Renger-Patzsch (1897-1966) est considéré comme l'une des figures les plus importantes, et les plus influentes, de l'histoire de la photographie du XXe siècle.
L'exposition Les choses qui rendent cet hommage, et permet de redécouvrir la postérité d'une œuvre qui invite à réfléchir sur la nature de la photographie et sur son potentiel artistique et spéculatif dans le contexte de l'art et de la culture contemporaine . Un panorama de grands thèmes, moments et genres qui ont marqué la production photographique de l'artiste.

Lieu: Jeu de Paume
Sous-Rubrique: Photographie
Date de début: 17 octobre 2017
Date de fin: 21 janvier 2018

Malik Sidibe à la fondatio Cartier jusque février 2018

Sat, 06 Jan 2018 15:55:00 +0000

http://www.lesinrocks.com/2017/10/17/arts/malick-sidibe-la-fondation-cartier-pour-mali-twist-11997854/

http://afrique.lepoint.fr/culture/expo-photo-hommage-a-malick-sidibe-a-la-fondation-cartier-20-10-2017-2166107_2256.php

Musée de la chasse et de la nature / le cabinet dédié à la licorne

Sat, 06 Jan 2018 07:42:00 +0000

http://www.chassenature.org/la-licorne/